Le Conseil des arts du Nouveau-Brunswick est un organisme de financement des arts indépendant dont le mandat est prévu par la loi pour faciliter et promouvoir la création d’œuvres d’art et l’administration de programmes de financement pour les artistes professionnel.les de la province.
Écrit par Bonny Hill
De la « Fontaine » de Marcel Duchamp à l’art de rue de Banksy, en passant par la création récente des NFT (jetons non fongibles), les artistes contemporains ont exploré les questions postmodernes d’élitisme, d’originalité et d’authenticité. Certains de mes travaux récents et la plupart de mes travaux à venir explorent le consumérisme et le marketing de l’art dans un environnement en mutation rapide. Les gens achètent de l’art dans les magasins à grande surface, sur Amazon et Wayfair. Les galeries publiques et privées se tournent vers les ventes numériques et les expositions virtuelles. La pandémie mondiale qu’est la COVID 19 présente de nouveaux espaces virtuels tels que Zoom et d’autres plateformes de vidéoconférence qui offrent de nouvelles possibilités pour montrer et monétiser le travail des artistes et stimuler les ventes des galeries. J’aime l’art qui est accessible. J’utilise l’humour, l’ironie, la parodie et le paradoxe pour toucher, jusqu’à un certain niveau, un large public.
Je n’y connais rien à l’art. Je veux juste quelque chose de joli à accrocher au-dessus de mon canapé pour être assorti à mon salon.
Subvention à la Création artsnb – Catégorie B, 2010
L’idée de cette œuvre m’est venue lorsque ma mère a fait la déclaration qui est devenue le titre de cette exposition. J’ai commencé par peindre une image de son canapé, que j’ai ensuite accroché par-dessus et dont j’ai peint une peinture, et ainsi de suite jusqu’à ce que les peintures des peintures deviennent si minuscules que je ne puisse plus les voir. J’ai adoré le paradoxe présenté par l’utilisation de l’effet Drost : de façon impossible, l’image se poursuit à l’infini. Le reste de l’œuvre s’est développé à partir de là et vise à engager le public dans un dialogue sur l’idée d’être consommateur d’art.
Une grande partie de l’art postmoderne réagit contre l’art élitiste et avant-gardiste qui n’est accessible qu’à un public très restreint et privilégié et qui donne au reste d’entre nous le sentiment d’être exclus lorsque nous ne comprenons pas. Dans des œuvres comme « This is a painting », « This is a pillow », je voulais que le spectateur se rende compte qu’il s’agit en fait de la même chose – de la peinture sur un morceau de tissu – alors pourquoi la peinture est-elle si précieuse et mystérieuse alors que le coussin n’est qu’un objet banal et ordinaire ? Dans une autre paire, deux toiles identiques proclament « Ceci est de l’art » et « Ceci est de l’artisanat ». Le texte de la première pièce est peint et celui de la seconde est brodé.
Certains de ces travaux soulèvent également des questions sur l’originalité, l’authenticité et l’élitisme. Pour la série « Real Winners », je mets de la vraie peinture sur des impressions giclées de grandes surfaces achetées dans des vide-greniers pour les transformer en véritable art, quel qu’il soit. J’essaie de ne pas porter de jugement sur les artistes qui vendent leurs œuvres uniques pour qu’elles soient imprimées en grand nombre. J’espère que l’artiste est rémunéré équitablement et je soupçonne que la plupart des œuvres d’art sont réalisées sur des chaînes de montage par des personnes ou des machines qui appliquent divers médiums en gel et des coups de pinceau sélectifs sur des impressions produites en masse. Acheter de l' »art » au même endroit que l’on achète des matelas ou du savon à vaisselle constitue certainement une démocratisation de l’art. Il est clair que nous voulons avoir de l’art chez nous, et si nous nous contentons d’une copie de quelque chose que nous apprécions et si l’artiste original a fait le choix de vendre ses droits d’auteur, qui sommes-nous pour juger ?
Plusieurs pièces plus petites peintes avec de la peinture au latex ordinaire sur des toiles bon marché provoquent une introspection sur les questions de préciosité (« Cette toile a été fabriquée en Chine mais la peinture est vraie », « Si vous aimez celle-ci, vous devriez voir la suivante ! » ou, « Vous ne pouvez pas obtenir ceci chez Walmart »).
Les œuvres les plus récentes de cette série ont été réalisées sur des toiles en tissus et sont accompagnées d’un coussin assorti. Les couleurs de la peinture commerciale sont souvent indiquées au dos afin que le consommateur puisse les adapter à son espace. En fait, des peintures personnalisées réalisées sur un tour de poterie peuvent être créées dans des couleurs de peinture commerciale sélectionnées par le consommateur ou ses designers. Mon œuvre « Toile Contemporaine » utilise la toile française classique réinterprétée avec des thèmes plus contemporains (arches dorées en arrière-plan, enfants utilisant des ipads, etc.)
Au lieu d’essayer de faire de l’art qui compte dans cette série, j’ai vraiment apprécié de faire du S.C.A.M. – « Shamelessly Creating Art that Matches » (créer sans honte de l’art qui s’agence bien).
Je n’y connais rien à l’art. Je veux juste quelque chose de joli à accrocher sur mon mur pour les vidéoconférences.
Subvention à la Création artsnb – Catégorie B, 2018
En janvier 2021, je me préparais à accrocher mon œuvre la plus récente, « Meta », au Saint John Arts Centre (SJAC). « Meta » consiste en une série de grandes toiles qui, de loin, semblent être des études photoréalistes de vues rapprochées de peinture, mais qui, de près, apparaissent comme des arrangements picturaux non objectifs de peinture avec beaucoup de détails sur la surface : un travail qui invite le spectateur à regarder à la fois la surface de la toile et à travers elle. J’étais très intéressée par l’exploration de l’aspect autoréférentiel de l’utilisation du matériau pour dépeindre la chose représentée.
En plein dans la deuxième vague de COVID 19 et de la possibilité réelle d’un retour à la fermeture des galeries au public dans ma région, j’ai beaucoup réfléchi à l’explosion de Zoom et d’autres plateformes de vidéoconférence et à l’impact de ce mouvement sur l’acquisition d’art privé. Pour répondre à cet intérêt, j’ai inclus une pièce interactive et conceptuelle dans l’exposition. « Je n’y connais rien à l’art. Je veux juste quelque chose de joli à accrocher sur mon mur pour les vidéoconférences » était essentiellement une liste d’instructions invitant le spectateur à acheter un arrière-plan Zoom et à le publier en utilisant les hashtags #superniceartforzoom et #snaz. SJAC a créé une vidéo pour présenter l’idée de soutenir les artistes visuels et les galeries en présentant des œuvres d’art lors des appels et des diffusions Zoom.
(Photo: #snaz avec une oeuvre de Jared Bett’s: « Honolulu Escapism 2 »)
(La vidéo suivant est disponible en anglais seulement)
Fermetures, NFT, livraisons à domicile
La mesure dans laquelle nos vies ont été affectées par les rapides changements sociaux, technologiques et environnementaux de l’année dernière n’est peut-être pas encore clairement définie. Mes travaux à venir tenteront d’aborder l’impact de la COVID 19 sur les achats en ligne, la communication et la livraison à domicile, et surtout sur l’émergence de la chaîne de blocs et des jetons non fongibles.
Les jetons non fongibles ont permis à Beeple de vendre une œuvre d’art cryptographique à une importante maison de vente aux enchères pour 69,4 millions de dollars, alors qu’il n’avait vendu aucune œuvre six mois avant la transaction. Les jetons non fongibles sont un moyen de monétiser et d’évaluer l’art numérique, mais à un coût énorme. Chaque transaction nécessite une puissance de traitement informatique considérable qui, si les prévisions se confirment, contribuera de manière importante à la crise climatique. En outre, l’objet d’art physique perd de sa valeur lorsqu’il est numérisé, à tel point que certains négociants en cryptomonnaies détruisent des originaux pour gagner de l’argent (une sérigraphie de Banksy achetée pour 95 000 dollars a été brûlée et diffusée en direct en mars 2021). Cela ne semble-t-il pas contre-intuitif ?
Je me souviens avoir assisté à un important symposium à l’Université NSCAD au début des années 1980 sur le sort de la peinture en tant que médium valide dans le contexte de l’art conceptuel. Le panel avait conclu que la peinture était terminée. Fini. Échec et mat. Je n’étais pas prête à accepter la fin de la peinture parce que les changements sociaux et technologiques offraient des intersections toujours intéressantes avec les traditions et les conventions de la peinture.
C’est cette intersection qui a guidé mon travail ces douze dernières années et qui continue à susciter des idées pour des projets futurs. Il m’a fallu 30 ans pour commencer à faire un travail sérieux et c’est grâce au soutien d’artsnb que j’ai trouvé la confiance nécessaire pour commencer.
Faire de l’art après une pandémie ? C’est parti!
Bonny Hill est une artiste contemporaine qui a été sélectionnée en 2017 pour faire partie du programme « Studio Watch » à la galerie d’art Lord Beaverbrook pour sa série, « J’y connais rien à l’air. Je veux juste quelque chose de joli à accrocher au-dessus de mon canapé pour l’assortir à mon salon. »
Bonny a obtenu un baccalauréat en arts au Nova Scotia College of Art and Design (NSCAD) en 1984 et a récemment pris sa retraite après une carrière de 31 ans dans l’enseignement des arts dans les écoles publiques. En 2011, la Société canadienne pour l’éducation des arts lui a décerné le prix de l’éducatrice en art canadienne de l’année. Son enseignement a également été reconnu à l’échelle nationale en 2013 avec une première place au DC21YCC Défi créatif des jeunes parrainé par Patrimoine Canadien, et à l’échelle provinciale avec le Prix NBTA de la Credit Union pour l’excellence en enseignement.
Bonny Hill siège au conseil d’administration de AX (the Arts and Culture Centre of Sussex), où elle préside le comité des expositions et fait du bénévolat actif. Elle est également membre du comité consultatif sur le programme d’études en arts visuels du ministère de l’Éducation du Nouveau-Brunswick.
Bonny a reçu trois subventions à la création d’artsnb et lance sa nouvelle série, « Meta » et « Ma petite sœur pourrait peindre ceci » qui sont des explorations du réalisme dans le contexte de la peinture figurative, de la photographie et des arrangements non objectifs de la peinture. Bonny a commencé à exposer ses œuvres en 2006 et a depuis obtenu sept expositions individuelles et plusieurs expositions collectives dans des galeries publiques. Sa série « Meta » était exposée à la galerie Frazee du Saint John Arts Centre jusqu’en mars 2021.
Restez à l’affût de la pratique artistique de Bonny:
Site web: http://www.bonnyhillart.com/
